In collaboration with the Dance Department at UQAM, Hexagram-UQAM and Maison pour la danse
The Fondation Jean-Pierre Perreault presents:
BETWEEN TRACES AND WRITING
Focus days and workshops
It is with immense pleasure that the Fondation Jean-Pierre Perreault (FJPP) invites the entire dance community to take part in the focus day series “Between Traces and Writing.” Featuring round table discussions, conversations, performances and workshops, the event will focus on the concepts of traces, notation, documentation, memory, body/archives and digital technologies in dance. It will be held from May 15 to 18, 2018, at the Hexagram-UQAM lab, Room SB-4105, at 141 ave du President-Kennedy, Montréal.
This focus day series was inspired by several questions: What do we mean by traces, documents, diagrams and scripts in dance? How does orality persist in memory? What role do traces and writing play in the creative process? Must we document dance in order to transmit it? If yes, then how? What do choreographers’ and dancers’ notations reveal to us? How can digital technologies be used to document the creative process or “conserve” dance? Can we invent a system of writing or memorization that will allow dance to circulate in space and time? How can we build dance repertoires and keep our heritage alive? Finally, what do dance traces tell us about our personal and collective identities?
The FJPP would like to underscore the exceptional contribution of its scientific committee in developing and programming this special event:
- Anne Bénichou, Professor, Visual and Media Arts, UQAM
- Marc Boivin, dancer and teacher
- Lise Gagnon, Executive Director, FJPP
- Armando Menicacci, Professor, Dance Department, UQAM
- Katya Montaignac, artist and dramaturg
- Sophie Michaud, artistic dance consultant
- Angélique Willkie, Assistant Professor and Researcher, Department of Contemporary Dance, Concordia University
Registration
To register for the focus days, please complete the following form
Cost (payment by cheque or cash):
- Participation in the round table discussions is free of charge
- The Afternoon of a Faun, following Nijinsky’s notations, with Claudia Jeschke (Germany): $30
- movingstories workshop, with Thecla Schiphorst (Vancouver): $20
- MemoRekall workshop, with Alexandre Michaan (France): $20
(participation in both digital workshops: $30)
Cocktail
Participants are cordially invited to an opening cocktail for the focus days on May 15, 5:30 p.m..
Location
With the exception of the special activity Fluid Grounds and the opening cocktail event, all activities will be held at the Hexagram-UQAM lab, Room SB-4105, at 141, ave du Président-Kennedy, Pavillon des sciences biologiques, UQAM. Place-des-Arts metro, near the Cœur des sciences.
Streaming of the round tables of focus days: Maison pour la danse – 336 Rue du Roi, Quebec.
Tuesday, May 15
Between traces and writing: scripts, notations, scores . . . – 9:30 to 11 a.m.
In this opening session, Anne Bénichou, Simon Hecquet (France) and Armando Meniccaci present the concepts that will be discussed throughout the event. What do we mean by scores, transcription systems, notation, and systems that generate movement or writing in dance? What are the ideas that inform the creation and transmission of dance? What do we mean by repertoire and heritage? How do we define orality, writing and memory in dance? What are their essence and scope?
Documentation and creative archives – 11:15 a.m. to 12:30 p.m.
The opening session will be followed by a round table discussion led by Katya Montaignac on the issue of documentation and archives: how can organizations bring together archives, cultures of writing, and cultures of dance? How do they preserve works in time? What processes can they use? Amy Bowring (Toronto), Gabrielle Larocque and Valérie Lessard will share their thoughts and experiences on this far-ranging topic.
Steps and approaches in body/archives – 2 to 3 p.m.
Dancer Manon Levac will present some steps inscribed in her body memory and personal story. She will then invite participants to draw on their visual and body memory to enact meaningful steps tied to their own story.
Creation and the body/archives – 3:15 to 5:30 p.m.
What do we mean by the body/archives? Who creates through the body/archives? What is created? How do traces, archives, memory and scores interact in the body during the creative process? Anne Collod (France), Catherine Joncas and Enora Rivière (France) explore these ideas by presenting their work, each showing how the body/archives is made up of gestures and memories that come from other bodies, places and times. Manon Levac will then join them in a round table discussion led by Sophie Michaud.
Cocktail – 5:30 p.m.
La Chaufferie, Coeur des sciences, CO-R700
Wednesday, May 16
Digital technologies: documentation and creation – 10 a.m. to 12 p.m.
Digital technologies occupy a growing space in dance: they facilitate access to data and bring about new ways of thinking and looking at documentation during the processes of creating and archiving. Can technologies help us bring the past to life so we can better understand the present? Do technologies create new forms of symbolization? How do we bring digital realities and dance together? How does the digital landscape challenge our notions of authorship? How can we resist the temptation to accumulate and store massive amounts of data? What can we say about our fascination with technology? Armando Menicacci, Alexandre Michaan (France), Denis Poulin and Thecla Schiphorst (Vancouver) share their thoughts in a round table discussion led by Marine Theunissen.
Creation, re-creation: Below, beyond and around choreographic toolkits – 1:30 to 2:30 p.m.
How does the fact of consciously documenting a creative process potentially alter this process? How does the act of creating influence the way we document our works and vice versa? How can we define or experience the act of re-creating? Danièle Desnoyers and Lucie Grégoire—two choreographers who helped to create choreographic toolkits for their works—talk about the experience. The discussion will be moderated by Lise Gagnon.
Repertoires, forgetting and memory – 2:45 to 5 p.m.
What is the role of memory during the creation and transmission of a work? What traces do we decide to forget? What traces resist the passage of time? How do the traces that survive create myths that are still relevant today? How are traces and memories materialized to become new creations? Which memory allows dance to circulate in space and time? How does the transmission of dance reflect our identity—past, present and future? What do we conserve as the essence of our creative selves? Simon Hecquet (France), Claudia Jeschke (Germany) and Zab Maboungou take part in this round table discussion led by Marie Lavorel.
Thursday, May 17
The Afternoon of a Faun, following Nijinsky’s notations workshop, with Claudia Jeschke (Germany) – 9:30 a.m. to 5 p.m.
Memory and transmission workshop After a run of 55 shows, Nijinsky danced The Afternoon of a Faun for the last time in September 1917 in Buenos Aires. The work has since been re-created and transmitted by memory numerous times. Although Nijinsky transcribed his ballet in around 1915, he did not leave any clues on how to read his notation system. In the late 1980s, Ann Hutchinson Guest (England) and Claudia Jeschke (Germany) managed to decode Nijinsky’s score and restore the choreography. In this two-part workshop, Claudia Jeschke will first present the historical and theoretical context behind the discovery of Nijinsky’s notes, the process of restoring the ballet, and her translation of the work into Labanotation. In the afternoon, she will teach key excerpts from this work that is central to the history of 20th-century dance. (In English)
Friday, May 18
movingstories workshop, with Thecla Schiphorst (Vancouver) – 9:30 a.m. to 12:30 p.m.
Thecla Shiphorst presents movingstories, a SSHRC-funded interdisciplinary, collaborative institutional research partnership which focuses on designing digital tools for movement, meaning and interaction investigated through the intersection of three unique domains: 1) somatic practices including laban movement analysis; 2) digital interaction technologies; and 3) social and cultural applications and outcomes. movingstories supports an innovative and interdisciplinary approach to redesigning digital technologies based on overlapping yet differentiated epistemological approaches to understanding movement. The movingstories partnership is dedicated to developing a deeper understanding of movement experience and developing tools that investigate, map, integrate and generate expressive qualities. (In English)
MemoRekall workshop, with Alexandre Michaan (France) – 2 to 5 p.m.
Rekall is an open-source environment designed by Clarisse Bardiot, in collaboration with Buzzing Light and Thierry Coduys, with a view to documenting and analyzing creative processes, and facilitating the remounting of scenic works. The software is designed to resolve issues related to big data in the study of the performing arts by offering a data visualization tool to analyze the growing volume of documents available to researchers and artists. After carrying out a series of tests with Rekall, the team has developed MemoRekall —a simplified version of the software designed to annotate and comment on video records, intended for artists, cultural institutions and schools. Alexandre Michaan offers a demonstration of this free, open-source software. introducing participants to MemoRekall with a video annotation exercise. It is recommended that participants bring their laptop with Firefox or Chrome installed on it.
Tuesday, May 22
Fluid Grounds: A special off-site activity – 2 to 4 p.m.
Fluid Grounds is an ambulatory choreographic performance, traced and put into movement by Benoît Lachambre, and produced by B. L.eux and Sophie Corriveau, in co-production with Agora de la danse, the Festival TransAmériques and Charleroi Danse. In this new work, five dancers come together in creating ambulatory spaces by questioning notions of presence, connection, space, and the idea of traces that weave memories and serve as catalysts for new choreographies. Applying tape to the floor and walls, they draw vectors of movement, sketching with spectators a map of presences. This piece is an opportunity for Benoît Lachambre and Sophie Corriveau to question how dance can be a poetic gesture permitting the discovery of being, its sensibilities and its intelligence. Participants are invited to attend a rehearsal of the work. This will be followed by a discussion with the artists, led by Katya Montaignac. 5425, ave Casgrain, #200, Montreal
Acknowledgements
The FJPP warmly thanks UQAM, Hexagram UQAM and Maison pour la danse for their generous participation in putting on this event. The event “Between Traces and Writing” has received financial support from the Conseil des arts et des lettres du Québec, and the Conseil des arts de Montréal. The FJPP would like to thank the Conseil des arts et des lettres du Québec, the Canada Council for the Arts, and the Conseil des arts de Montréal for the support they provide to all of its projects.
Guest bios (some bios in French)
Unless otherwise indicated, guests are based in Quebec.
Anne Bénichou
Anne Bénichou est professeure d’histoire et de théorie de l’art à l’École des arts visuels et médiatiques ainsi qu’aux programmes d’études supérieures en muséologie de l’Université du Québec à Montréal. Ses recherches portent sur les archives, les formes mémorielles et les récits historiques issus des pratiques artistiques contemporaines et des institutions chargées de les préserver et de les diffuser. Elle poursuit actuellement des travaux sur les nouvelles formes de documentation et de transmission des œuvres éphémères et performatives. Elle a publié Muntadas. Between the Frames: the Forum (Musée d’art contemporain de Barcelone, 2011) et Un imaginaire institutionnel. Musées, collections et archives d’artistes (Paris, L’Harmattan, coll. Esthétiques, 2013). Elle a dirigé les ouvrages collectifs Ouvrir le document. Enjeux et pratiques de la documentation dans les arts visuels contemporains et Recréer/Scripter. Mémoires et transmissions des œuvres performatives et chorégraphiques contemporaines (Dijon, Les presses du réel, 2010 et 2015). Ses écrits récents ont paru, entre autres, dans les revues Performance Research, Ligeia, Thema, ainsi que dans le magazine Ciel Variable pour lequel elle a dirigé le numéro « Documents de performance ». Un numéro double de la revue Intermédialités. Histoire et théorie des arts, des lettres et des techniques, intitulé « Refaire/Redoing », sur le reenactment dans les pratiques culturelles modernes et contemporaines vient de paraître sous sa direction à l’automne 2017.
Amy Bowring
Amy Bowring is the Director of Collections and Research at Dance Collection Danse where she was mentored by founders Lawrence and Miriam Adams, and has been involved with the organization since 1993. She is an outspoken advocate for Canada’s dance heritage. As a dance historian, Amy curates exhibitions, teaches at Ryerson University and has published widely. Amy was a board member for Dance Media Group, served on the Discipline Advisory Committee for Dance at the Canada Council for the Arts, and the advisory board of Dance Chronicle. She is co-chair of the advocacy committee for the Canadian Dance Assembly. Amy holds an Honours B.A. in Fine Arts Studies from York University and an M.A. in Journalism from the University of Western Ontario. She founded the Society for Canadian Dance Studies in 2000 is a co-recipient of the 2002 Toronto Emerging Dance Artist Award for her work as a dance writer.
Anne Collod est diplômée en biologie et en environnement, elle danse pour différents chorégraphes (Pierre Deloche, Philippe Découflé, Stéphanie Aubin, Hélène Cathala et Fabrice Ramalingom), puis co-fonde le Quatuor Albrecht Knust (1993-2001), collectif d’interprètes dédié à la recréation d’œuvres chorégraphiques du début du XXe siècle. A partir de 2001, tout en collaborant avec divers chorégraphes (Boris Charmatz, Cécile Proust, Alain Michard, Laurent Pichaud), elle débute un travail de recherche sur la notion d’« être-ensemble » en danse, qui la conduit en 2003 à rencontrer Anna Halprin à San Francisco, puis à danser pour elle au Festival d’Automne à Paris en 2004 et à intégrer son collectif d’improvisation. Elle participe depuis aux performances européennes de la chorégraphe. En 2005, elle fonde l’association…& alters, et reçoit l’Aide aux Ecritures Chorégraphiques du Ministère de la Culture pour le projet “empreintes”, qui interroge les notions de partition et de processus comme supports de création et d’interprétation. Elle crée en 2007 (faire)cabane, en collaboration avec le designer et performeur Mathias Poisson, et présente en 2008 parades & changes, replays, recréation in extenso d’une pièce majeure d’Anna Halprin de 1965, Parades & Changes. Créée dans le cadre de la Biennale de la Danse de Lyon puis au Festival d’Automne à Paris, la pièce est depuis accueillie dans de nombreux lieux et festivals en France et à l’étranger.
Sophie Corriveau, Interprète, répétitrice, enseignante, créatrice, conseillère artistique
Depuis 1993, à titre de danseuse indépendante, elle collabore au travail de plusieurs chorégraphes, notamment Danièle Desnoyers, Catherine Tardif, Manon Oligny, Virginie Brunelle, Alain Francoeur, Sylvain Émard, Louise Bédard, Jean-Sébastien Lourdais, Manuel Roque et Raphaëlle Perreault. À l’automne 2011, Sophie Corriveau se lance dans l’aventure chorégraphique avec Jusqu’au silence, un solo qu’elle interprète à l’Agora de la danse, en collaboration avec son frère, l’artiste visuel Thomas Corriveau. De 2014 à 2016, elle bénéficie de la bourse « Interprète en résidence » à l’Agora de la danse. Cette résidence culmine avec l’évènement Nous (ne) sommes (pas) tous des danseurs, « tables rondes dansées », projet atypique imaginé conjointement avec Katya Montaignac. Sophie Corriveau est également directrice des répétitions pour les compagnies Daniel Léveillé Danse et Le Carré des Lombes, et enseignante à l’École de danse contemporaine de Montréal.
Benoît Lachambre et Sophie Corriveau travaillent en ce moment à une nouvelle création Vertige des sens ou Fluid Grounds, une performance déambulatoire tracée où se rencontrent 10 interprètes qui questionnent ensemble la notion de présence et l’idée de la trace chorégraphique. Performance qui sera présentée au FTA 2018.
Danièle Desnoyers, chorégraphe et professeure au Département de danse de l’UQAM
Danièle Desnoyers étudie la danse et la musique dès son plus jeune âge puis poursuit une formation professionnelle en danse contemporaine au Département de danse de l’Université du Québec à Montréal au début des années 80.
Elle crée sa première œuvre en 1986, puis trois ans plus tard, fonde sa propre compagnie Le Carré des lombes où elle privilégie de nombreuses collaborations en s’entourant d’artistes d’autres disciplines. Son univers singulier a profondément marqué le paysage de la danse québécoise. Son répertoire a été présenté dans de multiples événements d’envergure internationale au Canada, en Europe, en Asie, aux États-Unis et au Mexique.
Artiste engagée et pédagogue, elle devient en 2012 membre du corps professoral du Département de danse de l’UQÀM et participe à l’émergence d’une nouvelle génération de créateurs en danse.
Lucie Grégoire
La chorégraphe et interprète montréalaise Lucie Grégoire poursuit sa recherche artistique depuis plus de 30 ans, avec plus d’une trentaine de créations chorégraphiques, des solos, des œuvres pour plusieurs danseurs et des pièces in situ. Son travail, nourri du contact avec des pays et cultures diverses, tels que l’Arctique, le Portugal, le désert du Sahara, le Japon, le Maroc, l’Amazonie et l’Islande, s’inspire aussi de disciplines artistiques variées —littérature arts visuels et cinéma. Réputée pour l’intégrité de sa démarche artistique, la beauté hypnotique de sa danse et la dimension picturale de ses mises en scène, elle trace une voie unique dans le paysage de la danse contemporaine.
En 2004, la création de Eye, en collaboration avec le chorégraphe et danseur japonais Yoshito Ohno marque un tournant dans sa trajectoire. Depuis, cette collaboration s’est poursuivie avec les créations de Flower (2008) et In Between (2011).
Ses œuvres ont été présentées au Canada, en Europe, à New York, en Tunisie et au Japon.
L’enseignement fait partie intégrante de la recherche artistique de Lucie Grégoire. Elle fait partie du corps professoral de l’École de danse contemporaine de Montréal depuis 1989.
Simon Hecquet
Danseur, a travaillé comme interprète avec différentes compagnies, notamment Ris et Danceries (direction Francine Lancelot et François Raffinot). Parallèlement, apprentissage des systèmes Feuillet et Laban.
1994 : il co-fonde le Quatuor Knust, qui recrée à partir de partitions des pièces du répertoire contemporain.
2004 : il réalise avec Sabine Prokhoris un documentaire de création, Ceci n’est pas une danse chorale.
2007 : il publie, avec S. Prokhoris Fabriques de la danse, PUF (prix du meilleur livre de danse décerné par le Syndicat de la critique).
2008 : il participe avec S. Prokhoris au projet de publication de la partition de Dance de Frédéric Gies, par un texte (publié en 2010 dans Études théâtrales).
2013 : pour Montpellier Danse, il crée avec S. Prokhoris « Elle m’avait pas dit tout ça… », à partir des effets des traces dans la mémoire de May B de Maguy Marin.
Il a enseigné régulièrement, entre 1996 et 2009, au Département Danse de l’Université de Paris VIII.
Claudia Jeschke
Along with her studies of Theaterwissenschaft at Munich University and a doctoral dissertation on the history of dance notation systems Claudia Jeschke (CJ) was professionally trained in various dance forms. Deeply interested in theater she started with choreographing and performing as well as acting and directing – always with a strong emphasis on issues of documentation, notation, and archiving. Her academic respectively practical expertise allows her to approach dance heritages both ‚in actu‘ on stage and in academic writing – for example in deciphering Vaclav Nijinsky’s dance notation system and restoring his ballet L’Après-midi d’un Faune (together with Ann Hutchinson Guest). She introduced dance studies as an academic discipline in German theater and dance departments such as Munich, Leipzig (where she finished her habilitation) and Cologne. 2004 CJ joined the faculty of the Department for Studies in the Fine Arts, Music, and Dance at Salzburg University as the then first and only professor of dance studies in Austria and became head of the Derra de Moroda Dance Archives (ddmarchiv.org). Having retired at Salzburg, she currently teaches at Anton-Bruckner-Privatuniversität in Linz (Austria) and the Wydział Teatru Tańca PWST Krakow/Bytom (Poland). As a guest professor CJ taught (and still teaches) in Europe, USA, Canada, Japan, China and in Brasil. Her extensive body of publications focuses on dance historical and theoretical issues as well as on movement research and notation – and the multiple transfers between these fields of research (for example in exhibitions, television programs and recently a series of lecture performances on ‘contemporaneity’ of dance history and historiography).
Catherine Joncas
Actrice, auteure et metteure en scène, formée au Conservatoire d’Art dramatique de Québec, Catherine Joncas est l’une des membres fondatrices d’Ondinnok. De 1996 à 2016, elle en était aussi la directrice administrative et assurait par le fait même la faisabilité de toutes les activités de la compagnie théâtrale. Aujourd’hui, elle se consacre plus particulièrement à son rôle de mentor artistique, mais reste engagée dans plusieurs projets qui lui tiennent à coeur, comme celui de « Corps entravé, corps dansant », en collaboration avec Tangente (mai 2018). Elle est l’auteure de nombreuses pièces produites par Ondinnok, son oeuvre la plus intimiste étant Le Rendez-vous | Kiskimew. En 2006, elle signe la mise en scène de Contes d’un indien urbain, un travail qu’elle a le plaisir d’approfondir sur plus de trois ans. Par sa soif de découverte, par sa grande ouverture d’esprit et par son regard empreint d’une certaine candeur, elle apporte une dimension plus fantaisiste au parcours artistique d’Ondinnok.
Benoît Lachambre, chorégraphe
Évoluant dans le milieu de la danse depuis les années 1970, Benoît Lachambre a découvert en 1985 le releasing dont l’approche kinesthésique du mouvement et la part d’improvisation vinrent fortement imprégner son travail de composition chorégraphique. Il s’investit alors totalement dans une approche exploratoire du mouvement et de ses sources dans l’idée de retrouver l’authenticité du geste. Dans ses créations, Benoît Lachambre cherche aussi à dynamiser le performeur de façon à modifier son expérience empathique avec le spectateur. Parmi ses plus fortes influences, Benoît Lachambre aime citer Meg Stuart avec laquelle il collabore régulièrement, mais aussi Amélia Itcush pour son travail sur la dispersion de poids dans le corps. En novembre 2013, il a reçu le Grand prix de la Danse de Montréal 2013, à la suite de la présentation à Montréal de l’œuvre Snakeskins, un faux solo. En décembre 2014, il a reçu le prix de la meilleure œuvre chorégraphique, remis par le Conseil des arts et des lettres du Québec, pour l’œuvre Prismes, créée pour Montréal Danse.
Gabrielle Larocque, muséologue et sérigraphe
Gabrielle Larocque a étudié l’anthropologie sociale et les arts visuels au Québec, au Mexique et en Espagne, et détient une maîtrise en muséologie. Du matériel à l’immatériel, ses recherches portent sur le patrimoine vivant et sur le potentiel de la communauté à participer à la production de son histoire. Récompensé par le prix Roland-Arpin 2015, son essai final de maîtrise permet de dégager une dizaine de modalités muséales propres à la danse, des propositions qu’elle publie dans le n°29 de la revue française Culture & Musées (Acte Sud). Elle agit à titre de chargée de projet –patrimoine au Regroupement québécois de la danse depuis plus de quatre ans où elle coordonne d’abord les recherches historiques de La Toile-mémoire de la danse au Québec, puis met en place une Table de concertation en patrimoine de la danse. Elle communique les avancées de ces projets dans le cadre de différents colloques (SMQ, CRILCQ, GRIAV, AGeSCO). Parallèlement, elle explore les rapports entre traces et œuvre éphémère à travers différents projets notamment Les Anarchives de la danse de la chorégraphe Catherine Lavoie-Marcus présenté à la Fonderie Darling en juin 2016, l’édition 2016-2017 des laboratoires du Broke Lab rassemblant les interprètes Susan Paulson, Merryn Kritzinger et Roxane Duchesne-Roy, l’exposition Le Cœur-réflexe avec les interprètes et chorégraphes Ariane Dessaulles, Laurence Dufour, Frédérique Bergeron et Théo Kari, et l’artiste graphique Émilie Allard en collaboration avec Possibles éditions et présentée à Espace Projet en septembre 2017, et le collectif de sérigraphie machines duquel elle est cofondatrice. Depuis octobre 2017, elle est artiste-animatrice pour l’organisme Les Impatients qui vient en aide aux personnes atteinte de problèmes de santé mental.
Marie Lavorel
Dr Marie Lavorel est titulaire d’un doctorat en muséologie, médiation, patrimoine de l’Université du Québec à Montréal et en Sciences de l’information et de la communication de l’Université d’Avignon et des pays de Vaucluse. Ses recherches portent sur la patrimonialisation des mémoires sensibles et traumatiques, l’écriture de l’histoire contemporaine, l’histoire orale, l’art contemporain, la danse contemporaine et son exposition, l’art public et l’architecture contemporaine. Elle s’intéresse aux processus créatifs et aux écritures médiatiques (musée, exposition, documentaire) de mise en mémoire, de mise en patrimoine et de mise en exposition. Son intérêt se porte également sur la dimension collaborative de ces processus et sur l’engagement des acteurs impliqués. Elle porte aussi son attention sur les nouvelles formes numériques et interactives de médiatisation du savoir. Elle a terminé des recherches postdoctorales sur l’art public en milieu hospitalier à l’Université McGill et prépare une exposition d’une installation interactive associant danse contemporaine et arts médiatiques. Elle poursuit actuellement des recherches postdoctorales à l’université Concordia en histoire orale, géographie, art et humanités digitales. Parallèlement, elle accompagne des artistes d’art actuel et des chorégraphes par une pratique d’écriture et des projets curatoriaux. Elle est également commissaire d’exposition indépendante et chargée de cours à la Maîtrise en muséologie de l’Uqam.
Valérie Lessard
Valérie Lessard est archiviste, travailleuse culturelle, artiste et enseignante dans le milieu de la danse à Montréal. Elle a fait des études en danse contemporaine à l’UQAM, en gestion des organismes culturels aux HEC Montréal et est titulaire d’une maîtrise en bibliothéconomie et sciences de l’information à l’Université de Montréal. Elle s’intéresse aux pratiques et aux enjeux de l’archivistique dans le milieu de la danse au Québec. Elle se passionne également pour l’histoire de la danse, tant québécoise qu’internationale, et enseigne depuis 2007 un cours d’histoire et d’esthétique de la danse à l’École de danse contemporaine de Montréal. Depuis février 2018, elle s’est jointe à l’équipe du Regroupement québécois de la danse comme chargée de projet aux relations professionnelles.
Manon Levac
Interprète chevronnée, Manon Levac a créé une centaine de rôles au sein des compagnies Groupe Nouvelle Aire, Fortier Danse Création et Montréal Danse. Elle est récipiendaire du Prix Jacqueline-Lemieux (1988). Depuis 2005, elle est professeure au Département de danse de l’Université du Québec à Montréal, ses spécialités englobent les champs de la technique et de l’interprétation. Sa recherche porte sur les savoirs pratiques du danseur, la classe technique en danse et les méthodologies d’écriture de soi afin de rendre explicite l’expérience intime du danseur.
Zab Maboungou
Fondatrice de la réputée Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata, artiste-chorégraphe et interprète, professeure de philosophie et auteure, Zab Maboungou s’est distinguée sur tous les fronts de l’action artistique et culturelle. Elle est parvenue à traduire et à implanter grâce à ses œuvres et à son implication dans le développement artistique et culturel, une autre présence et un autre foyer pour l’imaginaire. Auteur de plusieurs articles sur la danse et du livre « Heya Danse! Historique, poétique et didactique de la danse africaine » (2005), sa réputation de conférencière et d’ « intellectuelle publique » en font une personnalité recherchée partout où se fait la rencontre entre les « les arts, les savoirs et les personnes », un credo pleinement assumé par la compagnie. Sa technique du mouvement, appelée lokéto, inédite, constitue aujourd’hui un modèle du genre.
Armando Menicacci, professeur et artiste
Après des études de danse et de musique Armando Menicacci obtient une maîtrise en musicologie et un doctorat sur les relations entre la danse contemporaine et les technologies numériques auprès de l’Université Paris 8 ou il a fondé et dirigé le laboratoire Médiadanse entre 1999 à 2009. Il organise plusieurs colloques et publie dans le domaine de la musicologie et de la danse en travaillant l’Opéra de Rome comme responsable des publications. Entre 2008 et 2012 il est professeur d’art contemporain à l’École Media Art de Chalon sur Saone. Il a publié plusieurs articles et livres dans les domaines de la musique, la danse et les nouvelles technologies, dont “La Scena Digitale. Nuovi media per la danza” avec Emanuele Quinz.
Il a collaboré avec plusieurs chorégraphes tels que Alain Buffard, Vincent Dupont, Rachid Ouramdane Steven Cohen et Kondition Pluriel, entre autres.
Entre 2005 et 2011, avec Christian Delecluse, il a fondé le collectif Digitalflesh (www.digitalflesh.org). Il devient ensuite artiste associé à la scène Nationale Le Maniège de Reims (France) en réalisant des créations pour la scène et des installations interactives jouées et exposées dans plusieurs pays en Europe, en Amérique et en Afrique.
Actuellement, il est professeur au Département de Danse de l’UQAM, au sein duquel il a participé à la fondation du Laboratoire Arts Vivants Interdisciplinaires (LAVI) avec Andrée Martin et Nicole Harbonnier. Il est aussi membre d’Hexagram, réseau de recherche-création en arts médiatiques, design, technologie et culture numérique dont il est responsable de l’axe de recherche n1.
Alexandre Michaan est restaurateur du patrimoine photographique et multimédia, diplômé de l’Institut national du patrimoine en 2014. Après un parcours d’histoire de l’art à l’Ecole du Louvre, il intègre le cursus de restauration de photographies à l’INP et se focalise au fil de ses cinq années de formation sur les enjeux liés aux nouveaux médias, et particulièrement au domaine du numérique, en conservation-restauration d’œuvres d’art contemporain.
Formé aux techniques et aux procédures de préservation des œuvres vidéo durant un stage de six mois au laboratoire de restauration de l’institutLIMA (ex-Netherlands Media Art Institute) aux Pays-Bas, où il élabore notamment un plan de préservation et d’émulation d’œuvres interactives sur CD-ROM, il se spécialise durant son année de diplôme sur les problèmes posés à la conservation-restauration par des œuvres vidéo numériques au format obsolète, en menant une étude de cas sur trois œuvres vidéo formatées pour DVD avec le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris et le pôle Art contemporain et obsolescence technologique du C2RMF.
Sophie Michaud, conseillère artistique
Artiste très active, elle cumule à ce jour au-delà d’une centaine de collaborations à titre de directrice des répétitions, d’assistante à la chorégraphie et de conseillère artistique. Elle évolue tant auprès des créateurs indépendants qu’au sein de compagnies reconnues, dont Cas Public, Manon fait de la danse, Sinha Danse, Corpuscule Danse et Bouge de là. S’ajoutent ses collaborations avec Lucie Grégoire, Jean-Sébastien Lourdais (Fabrication Danse), Marie Béland (Marie B sort de ce corps), Caroline-Laurin Beaucage, Catherine Gaudet, Amélie Rajotte et Croline Gravel pour ne nommer que ceux-ci. À l’UQAM, elle a assisté plusieurs chorégraphes dans leur tâche d’enseignant au département de danse et a accompagné de nombreux étudiants dans leur processus de création au baccalauréat, à la maîtrise en danse et au doctorat en pratiques artistiques. Depuis 2008, le Regroupement Québécois de la Danse lui confie ainsi qu’à David Pressault, un programme de mentorat pour chorégraphes émergents. Depuis plusieurs années, elle est aussi appelée à intervenir dans le domaine de la médiation culturelle.
Katya Montaignac
Formée au département de danse de l’université de Paris 8, Katya Montaignac crée depuis 1998 des « objets dansants non identifiés ». Membre de La 2e Porte à Gauche de 2006 à 2018, elle collabore à l’ensemble de ses productions dont elle signe régulièrement la direction artistique (Blind date ; le pARTy ; Danse à 10 ; Rendez-vous à l’hôtel ; Pluton…). En tant que dramaturge, elle collabore avec les chorégraphes Frédérick Gravel, Marie Béland, Milan Gervais, Nicolas Cantin et Karine Ledoyen. En 2016, elle conçoit avec Sophie Corriveau l’événement Nous (ne) sommes (pas) tous des danseurs produit par Danse-Cité à l’Agora de la danse réunissant sur scène 16 danseurs de différentes générations. Elle collabore à la revue JEU depuis 2004 et fut commissaire en danse pour le offta pendant 7 ans. Elle enseigne au département de danse de l’UQAM et anime des formations continues pour le Regroupement québécois de la danse (regardsurladanse.blogspot.ca).
Denis Poulin commence sa formation en danse lors de son baccalauréat en Éducation Physique à l’Université de Montréal (UdeM) à la fin des années 60. Il complète une maîtrise en Cinéma et Télévision à l’Université du Michigan (U-M) en 1977. En 2013 il termine son doctorat en Études et Pratiques des Arts à l’Université du Québec à Montréal (UQAM) avec sa thèse “Les espaces infochorégraphiques d’une danse sans corps”.
De danseur et photographe au Groupe Nouvelle Aire, il alterne par la suite entre l’enseignement du processus créatif en danse et la production de danse à l’écran. Entre 1975 à 2003, il réalise des films et vidéos pour projection, parfois autonome, parfois intégrée à ses créations chorégraphiques ou celles de sa partenaire de Martine Époque. Son travail cinéchorégraphique lui vaut plusieurs honneurs et reconnaissances: SOLO (1976) reçoit en 1976 le prix «Best Achievement in Cinematography» de l’U- M; sa cinédanse Ni scène, ni coulisses (1979), produite par l’ONF, remporte la coupe «Enta Maratone dei Templi» au Festival international du film de Salerno en 1983; NoBody danse: le prototype, film produit par le LARTech, est présenté au Québec et en France dans l’exposition itinérante Au-delà de l’Image du Musée de la Nature et des Sciences de Sherbrooke; la version 3D-relief de sa cinédanse CODA: le final du Sacre du printemps (2015), coréalisée avec Martine Époque et produite par l’ONF et FAKE Studio, est lauréate de plusieurs distinctions dont les prestigieux Prix de la Guilde 3D (Liège 2015) et Prix Lumière des Creative Awards (Hollywood 2016).
Il fonde le département et les programmes de danse du Cégep Montmorency en 1985. Cofondateur et codirecteur du Laboratoire de recherche-création en technochorégraphie (LARTech, 2000), il est professeur associé au département de danse de l’UQAM depuis 2006 et chercheur à HexagramUQAM.
Enora Rivière mène conjointement une activité de danseuse et de chercheuse en danse. Elle suit l’enseignement du CNR de Tours, puis la formation ex.e.r.ce en 2002 et mène parallèlement ses études au sein du département danse de l’Université Pris 8 où elle obtient un DEA. Elle travaille avec les chorégraphes Mathilde Monnier, Gilles Jobin, Olivier Dubois, Dominique Brun, Frédéric Schranckenmuller, Mickaël Phelippeau, Maud Lepladec, Séverine Rième, François Chaignaud, Cécillia Bengolea, David Wampach et Gaël Sesboué, Olga de Soto, Aurélien Richard, ou encore Pierre Rigal. Mais aussi avec la plasticienne Marie Reinert, les photographes Bill Durgin et Ludovic Le Couster. Elle poursuit son expérience de danseuse contemporaine tout en mettant en œuvre la réalisation d’un projet de recherche et d’écriture sur la question du discours du danseur sur sa propre pratique. Pour cela, elle obtient en 2006 l’aide aux écritures chorégraphiques, en 2007 la Villa Médicis Hors les murs et part à Rio, au Brésil. À partir d’entretiens menés en studio avec des danseurs interprètes de formation, de culture et d’âge différents elle vient de publier un livre intitulé ob.scène récit fictif d’une vie de danseur.
Thecla Schiphorst
Thecla Schiphorst is Associate Director and Associate Professor in the School of Interactive Arts and Technology at Simon Fraser University in Vancouver, Canada. Her background in dance and computing form the basis for her research in embodied interaction, focusing on movement knowledge representation, tangible and wearable technologies, media and digital art, and the aesthetics of interaction. Her research goal is to expand the practical application of embodied theory within Human Computer Interaction. She is a member of the original design team that developed Life Forms, the computer compositional tool for choreography, and collaborated with Merce Cunningham from 1990 to 2005 supporting his creation of new dance with the computer. Thecla has an Interdisciplinary MA under special arrangements in Computing Science and Dance from Simon Fraser University (1993), and a Ph.D. (2008) from the School of Computing at the University of Plymouth.
Thecla Schiphorst is the recipient of the 1998 PetroCanada Award in New Media, a biennial award presented to a Canadian Artist for their contribution to innovation in art & technology in Canada. Her media art installations have been exhibited internationally in Europe, Canada, the United States and Asia in many venues including Ars Electronica, the Dutch Electronic Arts Festival (DEAF), Future Physical, Siggraph, the Wexner Centre for the Arts, the Canadian Cultural Centre in Paris, and the London ICA. Thecla Schiphorst leads the whisper[s] research group an acronym for: wearable, handheld, intimate, sensory, personal, expressive, responsive systems, and is the Director ofMovingStories: Digital Tools for Movement, Meaning and Interaction, a SSHRC funded International Institutional Research Partnership. www.movingstories.ca
Marine Theunissen
Marine Theunissen est titulaire d’une maîtrise en jeu théâtral et cinématographique (ESACT, conservatoire Royal de Liège, Belgique,2009) et d’une maitrise en information et communication (ULG, Belgique , 2012). Doctorante à l’Université du Québec à Montréal en études et pratiques des arts depuis janvier 2016, ses recherches portent essentiellement sur la création de dispositifs performatifs intégrant des technologies interactives, ainsi que sur les interrelations et l’intelligence collective au sein d’un chœur en mouvement. Elle est également membre-étudiante du regroupement stratégique Hexagram.